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来源:纽约现代艺术博物馆MoMA

  MoMA喜欢漫画。

  这一点众所皆知——从我们的馆藏,到各种关于漫画的栏目(比如深受大家喜爱的“约绘MoMA”),都占了很重要的一席之地。漫画或是图像小说,本身就是一种艺术形式:以美丽的图像去呈现故事,很能引起人们共鸣;但漫画能提供的不仅仅是娱乐——它还是一个神奇的学习工具。

  它能够培养人们的语言技能和批判性思维,同时滋养着创造力和自我表达——你可能会在心里嘀咕,有那么神奇吗?

  我们邀请了作家和漫画学者克里斯·加瓦勒(Chris Gavaler)来分享:关于漫画这件事。

  格蕾丝·罗宾逊(Grace Robinson)为MoMA“约绘MoMA ”绘制的插图

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  什么是漫画?

  漫画到底是什么?

  有两种答案。第一种是最常见的:它们大多数时候以出版的形式出现,在报纸的趣闻栏目和漫画书中的卡通中,较长的篇幅便可称为图像小说。我们把这种称为“将漫画视作媒介”。

  但这并不是你在MoMA能找到的大多数漫画——如果超越了媒介层面而将漫画视作一种形式的时候,就会完全不一样。漫画的第二种定义便是:并列的图像。因此,如果一个艺术家创造了两个图像并将它们放在一起,便是以漫画的形式在创作。

  第一种漫画强调在语境中起作用,而第二种往往指向自身。两种有时很难区分,第一种经常是包含了第二种。我们做这种说明,只是为了当你面对MoMA展墙心底产生“这也是漫画?”的疑问时,给你一个大声肯定的确认。

  彼得·哈雷,《爆炸单元房》,1994

  就比如安迪·沃霍尔的《杰奎琳·肯尼迪 III》,它由四张图片组成,以2×2的网格排列,这是传统漫画中常见的布局。就算漫画是无字的,我们通常也能按照默认的顺序去“阅读”漫画。

  安迪·沃霍尔,《杰奎琳·肯尼迪 III》,1965

  雅各布·劳伦斯(Jacob Lawrence)于1941年创作的“移民”系列是将60张图像胶卷式地排列在一起,一幅接一幅,讲述一个有关黑人工人在二战期间离开南方前往北方的故事。“移民”系列有传统漫画的元素,包含了文字,同时人物形象也是带有简化和夸张的风格。

  雅各布·劳伦斯在MoMA馆藏展厅中展出的“移民”系列

  02

  漫画有哪些元素?

  现在你知道了,漫画不只是那些杂志里五颜六色的穿着紧身衣的英雄。当它作为形式时,可以涵盖任何主题,也几乎能在任何地方找到。

  想要加深了解,最好的方式就是试着创造属于自己的漫画吧。它可以关于任何事,包含了一系列让人眼花缭乱的可能性。但是要记住五个要素:图像风格、文字和文本框、文字和图像之间的关系、画之间所隐含的推理、布局。

  风格是有意义的

  哪怕是画相同的题材,不同风格的漫画会有截然不同的效果。就拿“细节”这一点来说,当你创作简单的卡通人物时,细节会被简化为最基本的部分。而有的创作会充满细节,逼真得就像照片一样。比如这幅卡罗琳·卡普斯(Carolyn Capps)创作的图像,对于在刊物上发表的漫画来说,这样的细节密度并不多见。

  卡罗琳·卡普斯,《入夜#36》,2020年11月

  或是比较一下“约绘MoMA”中索菲亚·沃伦(Sofia Warren)和古诺·帕克(Guno Park)两位插画师画的MoMA观众坐在长椅上休息的场景,前者的简笔风格和后者的细致风格形成了不同的效果,也会引起观者不同的反应。

  左:索菲亚·沃伦的插画;右:诺·帕克的插画

  风格几乎可以改变任何主题。想一想这对你自己的漫画意味着什么。如果你用卡通风格画一个严肃的故事,可能会使故事不那么令人不安。如果用详细而现实的风格来画同样的故事,你的观众就会更直观地体验到它。而如果你用详细但夸张的风格来讲述故事,效果可能会变得超现实,以意想不到的方式影响观众。

  不过,谁说漫画必须只有一种风格?根据时间、地点、视点甚至人物情绪的变化,风格可以在不同的图像中转化。一句话:风格并不独立于视觉故事,而是它的主要工具之一。

  文字也是图像

  漫画中,文字也必须以某种风格呈现——从手写体,到精心设计的图形艺术。字体的选择总是与图像相关,就将文本当成是更大的图像。仔细想想这一点就会有更多思考:如果不同的角色用不同的字体说话呢?如果一个角色的字体根据他们的说话方式而改变呢?

  在漫画中,最常见的是将文字与对话框结合起来:以气泡或框框的形式。加布里埃尔·贝尔(Gabrielle Bell)使用椭圆形的语音泡泡,手绘的边框与她的画作风格一致。乔安娜·阿维莱兹(Joanna Avillez)则避免使用对话框,选择自由漂浮的形式呈现文字。

  加布里埃尔·贝尔的创作

  乔安娜·阿维莱兹的创作

  你也会形成自己的偏好。构成气泡的线条是否应该与构成人物的线条相似?如果每个角色的对话框都有自己角色的专属标识,那么即使没有人物出现,读者也知道谁在说话,会怎么样?

  文字与图像的结合

  一组文字的含义与周围的图像有什么关系:举个例子,重复、互补、对比或分歧。

  当它们重复时,文字和旁边图像所传达的内容大致相同。这是儿童绘本的标准,因为这种简单的关系有助于语言的掌握。不过,如果你不是在制作绘本,就应该避免这种多余的内容。文字和图片应该在它们的组合中各司其职。

  当文字和图像相辅相成时,会为表达的内容增加不同的细节。比如文字是“乔整晚都在看情景喜剧”,而图像画着一个坐在沙发上大笑的人,那就是彼此互补。如果你不看图片,你就不知道乔在笑,如果你不看文字,你就不知道乔为什么在笑。

  在罗兹•查斯特(Roz Chast)的漫画中,文字和图像相辅相成,产生身临其境的效果

  当文字和图像形成对比时,会更加有趣,但在理解上也会更有难度。比如,文字显示的是“乔喜欢看情景喜剧”,图像却画了一个坐在沙发上、表情呆滞的人物,那就把问题带给了观众——乔是否真的喜欢看情景喜剧?乔是一个不善于显露情绪的人吗?

  话语和图像也可以发生分歧,沿着平行但不相关的路径游荡。如果乔的形象紧挨着 “水总是沿着阻力最小的路径流淌”这句话,就很难得结论它们到底是什么关系。但这并不意味着观众不会尝试。把任何两样东西放在一起,人类的思维就会尝试对它们进行意义上的搭配。比如会有隐喻性的联想:乔就像水一样,总是按照自然规律做事。

  在本·帕斯莫尔(Ben Passmore)的《这很难》(This Is Tough)中,一个男子觉得他的女朋友正在描述她对艺术品的反应,但最后,他意识到她在描述他们的关系。

  图像之间的推论

  推论也发生在图像之间。这是漫画形式的一个决定性因素,因为无论一幅漫画还包括什么,它都至少必须有两个图像,因此它们之间有某种关系。

  在传统漫画中,从一个画面到下一个画面通常也意味着在两个时间点之间移动。然而,这也是一个很容易被打破的惯例。也许下一幅图像引用了一段记忆,就像加布里埃尔·贝尔所做的那样,她在分界线上标注上了“八年前”。

  或者图像之间并没有明确的时间顺序,就像格蕾丝·罗宾逊所绘的MoMA场景是按照随机排列的。

  你仍然可以在时间线上向前推进,但不妨出奇出新?第一个画面:一个女人怀里抱着个新生的婴儿;第二个画面:一个墓碑。这便可以暗示一系列的故事。婴儿出生了,活了很久,然后死亡;也可能婴儿出生后不久就死了;或是“在第一次见到她的侄女后,乔去了他们母亲的坟墓 。”——故事不就这么来了吗?

  把它们放在一起

  我们已经谈到了图像和文字之间的关系。最后要考虑的一件事是它们的排列。一旦你有了几张图片,就可以开始实验它们的位置。有些漫画每页只有一张图片,这很好,但如果你有两张或更多,你就需要考虑它们如何搭配——这在传统漫画中被称为布局。

  布局会引导观众的视线如何穿过图像,形成一个路径。Z字形路径是最为传统的观看路径,因为这是文字阅读的方法。也不妨通过打破预期来突出某些时刻,如果一个页面上的所有图像中只有一张比其他图像都大,那么人们就会下意识地以为这张突出图像中的内容就更为重要。

  丹妮卡·诺夫哥多夫(Danica Novgordoff)在“约绘MoMA”中的创作就偏离了传统路径,通过一页一张画的形式来表达故事。

  去实验不同的排布,找到你感觉实在的内容或故事。不过也欢迎随时扔掉惯例,试试抽象的漫画又有何不可?漫画形式的规则非常少。除非你决定这样做,否则不要把自己框在里面

  动手画吧:从哪里开始?

  漫画会为每个乐于创作的人提供一个广阔的世界,但新手们可能都会面临的问题是:我该从哪里开始?

  其实并没有什么最好的答案,除了行动——从习惯的方式,从手边的工具开始。白纸和铅笔;电脑上的绘图软件;如果是摄影漫画,就是P图软件。

  如果实在没头绪,四个词可以参考:故事、图像、布局和画布。虽然不一定按这个顺序。

  切里·桑巴(Chéri Samba),“未经审判而被定罪”,1989-90年

  脚本优先

  大多数出版的漫画都是以故事为先,或者更确切地说,以文字为先。这种创作形式更像脚本创作。

  就是说,你先写一个故事,然后再根据文字配图。或者可以求助,当有一两页剧本时,把它交给别人,请他们画一张粗略的草图,应该可以为你接下去的创作找一找视觉传达的感觉。

  绘画优先

  在开始一个项目之前,许多艺术家会去做一系列研究,确定作品的视觉或主题元素。比如这是艺术家莱昂内尔·费宁格(Lyonel Feininger)为漫画《Kin-der-Kids》所做的研究。

  对于一种根本不需要包括文字的视觉艺术形式来说,文字是一个奇怪的起点。所以其实,虽然“绘画优先”在漫画创作中并不常见,却更自然。你不需要在绘制故事之前“写”出它。事实上,在绘画之前你不需要知道任何东西,因为并不是为已经存在的东西制作插图,而是通过绘画从头开始发明故事

  你可以先从涂鸦开始,在白纸上画上各种人物、动物,或是它们的结合,然后选定一个作为主角,可以将这张图像放在互联网上去搜索来源,看看有什么新的灵感连接。接着,从一系列问题着手,“你的主角昨天吃了什么?”“Ta一生的志向是什么?”“Ta有什么朋友吗?”来发展故事。

  布局优先

  它也是从绘画开始,但并非从图像内容,而是从图像的框架开始。这会影响你接下来的创作走向。

  如果先是设置了均匀的格子,那么你也会不由自主地在每个单元格里分配权重相似的内容。但如果一旦有一个格子被着重强调了,那你就会思考,故事的哪些时刻适合被突出?又或许它不是按行排列,而是按列排列——什么样的主题需要上下阅读而不是左右阅读?

  莉·安(Leigh Ann)在为每个格子填入图像之前,都会先设置布局。请留意重叠的格子如何影响了她画狗的动作,松散的结构也辅助了漫画想要传递出的风格。

  试着创造一个不寻常的布局,然后问自己。这个布局想要讲述什么故事?

  画布优先

  如果你还在犹豫不决,那其实也不必急着做决定:摊开画纸,把上面三种方式都试一下。

  你会在不断地尝试中找到答案。如何开始画漫画,并没有正确的方法,这意味着也没有错误的方法。实验,一直实验,直到你找到适合你的方法。

  雷蒙德·佩蒂朋(Raymond Pettibon)创作的漫画书插页,

  并没有固定方法。

  漫画像所有人敞开着,画漫画,不一定意味着一定要成为漫画高手,而是一个通往想象与创造力的艺术途径——你会发现,生活和自己,都比想象中要有趣得多!


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